“Seine Gemälde und Zeichnungen faszinieren uns, sie tragen uns fort... Durch die Darstellung vermischter Körper liefern sie uns die Sorgen, Träume und Hoffnungen des Autors, sie hinterfragen und stellen den Menschen in den Mittelpunkt seines Interesses.

Seine Malerei ist wunderbar schön...... es handelt vom Menschen, seinem Wesen, seiner Haut, seinem Fleisch, seinen Eingeweiden und seinem Geschlecht. Es ist der menschliche Körper, den sie vorschlägt, eingehüllt, unfertig, zerrissen, hin- und hergerissen zwischen Leiden und Vergnügen".

 

C MAUDRUX / Le Pays De Franche Comté

Ausgehend vom Surrealismus wird sich Gérard Zaurin, der sehr stark von der dalinschen Mythologie durchdrungen ist, zu einer Figuration entwickeln, die er "Interior" nennt, und sich auf ein Register einlassen, das eindeutig mit dem menschlichen Zustand, der Sinnlichkeit, verbunden ist.

Er wurde 1955 in der Region Montbéliard geboren. Sein Vater, ein Spanier, floh als Kind vor dem Bürgerkrieg in Spanien.

So erbt G. ZAURIN Erinnerungen an Exil und Trennung, an Krieg, sowohl in Frankreich als auch in Spanien, an die erlittene Gewalt oder Verfolgungen, aber auch an den Durst nach Gerechtigkeit, Gleichheit, Idealen, Freiheit und Freundschaft.

1970 entdeckte er als Jugendlicher das Werk von Salvador DALI in DRAEGERs "Dali", dann die surrealistische Bewegung und ihre Philosophie. Diese Begegnung mit Dalís Werk ist eine Offenbarung. Von da an wird er mit den Techniken des Meisters und seiner Sprache vertraut gemacht und wird seine ersten Stücke in Öl schaffen. Er entdeckt die Surrealisten. Er wird von zahlreichen Einflüssen profitieren: Jérome Bosch, Max Ernst, Hans Bellmer, Grünewald, Léonardo Crémonini.

Sehr schnell rückte der Mensch in den Mittelpunkt seines Interesses, er suchte nach einer persönlicheren Sprache und versuchte, die Spuren Dalis zu hinterlassen.

Er löst sich von seinen hyperfotografischen Darstellungen, lässt seine Gedanken schweifen und befreit sich von der vorläufigen Skizze. Unterschiedliche Einflüsse machen sich bemerkbar, barocke Ausgelassenheit, antike Malerei und das Bedürfnis nach Ausgewogenheit zwischen "dem kaum Skizzierten" und einer sehr gründlichen Aufmerksamkeit für das Detail, in Konstruktion und Rhythmus, zwischen tiefem Schatten und transparentem Licht".

Ich bin ein " Kunstmaler ", und ich beanspruche diese Bezeichnung für mich. Mir gefällt der Begriff "bildender Künstler" nicht, weil er an Pseudomodernität und Unterwerfung unter die Gesetze des Marktes und aktuelle Kunstströmungen erinnert. Ich male und zeichne gerne, es ist mir egal, wenn es nicht den Trends zu entsprechen scheint. Ich habe nie versucht, den Launen der Mode nachzugeben.

Ich klammerte mich an den Gedanken, dass diese Freiheit, die mir so am Herzen liegt, mir (als Künstler) nur zugänglich ist, wenn meine künstlerische Arbeit frei von allen finanziellen Erwägungen ist. Diese Freiheit, die die Surrealisten in den Vordergrund gestellt haben, dieses Vermächtnis von DADA (Dada lehrt nichts anderes als eine höhere Form der Revolte und der "Befreiung" des Geistes) hat zweifellos, man muss es Genesung nennen, leider das Gegenteil bewirkt. Soll die Elite sie sich aneignen, wird die schönste aller Revolten zu Konventionen und Normen, wird die Phantasie zum Gefängnis, zeigt die Moderne Verachtung für die Vergangenheit. Ich habe meine kreative Freiheit nie aufgeben können; ich nehme diese Wahl an, die mir wenig Türen öffnet und mich weit weg von den subventionierten Wegen führt. Ich liebe es zu malen, ich liebe es zu zeichnen, und ich möchte mich nicht um jeden Preis der Notwendigkeit der Modernität unterwerfen. Meine Einflüsse sind alt und zahlreich, Bosch, Grünewald, Holbein oder neuere wie Crémonini, Max Ernst.

Ich möchte nur Emotionen, Fragen, Störung und Unordnung, Lust, Zweifel anbieten... Um von den tellurischen Stößen des Begehrens zu den Schwingungen des Orgasmus überzugehen, vom Terror zur Erleuchtung.

Am Anfang der Zeichnung, auf der Leinwand, steht Weiß.

Dort, vor dieser Unermesslichkeit, ist alles möglich, Rhythmen drängen sich mir auf. Ich lasse Dinge kommen, manchmal für mehrere Tage. Dann stelle ich mich plötzlich diesem unendlichen Weiß, und in wenigen Minuten bringe ich Farben auf die Leinwand, werfe dünner, provoziere Tropfen. Und ich lasse den Zauber geschehen: aus der Betrachtung der Tropfen werden Schnipsel von Bildern, Empfindungen geboren, ich warte darauf, dass etwas geschieht: ein Detail fängt mich auf, ein Rhythmus wird verändert, ein Licht wird hier hingestellt. Ich stürze mich in die Zeichnung, die sich selbst aufbaut, ich beherrsche nicht alles; manchmal nehmen ohne mein Wissen Bewegungen, Dehnungen, Haut, Risse Gestalt an...

Ich versuche jeden Tag zu arbeiten; Regelmäßigkeit ist für mich unerlässlich, ich schließe jeden Tag mit einem Einzelgespräch mit meiner Arbeit ab, ob ich daran arbeite oder nicht. Während ich schlafe, geht die Arbeit in einem Winkel meines Geistes weiter. Ob ich zwischen zwei täglichen Verpflichtungen arbeite, es bleibt in mir präsent... es ist undenkbar, diesen Faden der Ariadne zu durchbrechen. Ich vergleiche ein Gemälde oft mit einem Garten (der Betrachter geht dorthin und findet auf den vom Maler hinterlassenen Wegen seine Emotionen, seine Empfindungen), mit Gassen, Wegen, um von einem Blumenbeet zum anderen zu gehen, Hainen, Höhlen, um sich auszuruhen. Stellen Sie sich vor, ein Gärtner verlässt für eine Weile seinen Garten in voller Bebauung; bei seiner Rückkehr sind wilde Kräuter in alle seine Pläne eingedrungen. Er muss aufräumen, um Schritt für Schritt all das zu finden, was er angelegt hat, die Wege, die Blumenbeete und die Haine, von denen er geträumt hat. In gleicher Weise verpflichtet mich die Wiederaufnahme meiner Arbeit nach einer Unterbrechung dazu, alle Wege der Leinwand neu zu gehen, die Rhythmen zu finden, die mir angeboten wurden.

In meinem bildnerischen Werk habe ich mich immer für den Zustand des Menschen interessiert und für die Beziehung, die jeder Einzelne zur Welt hat. Es ist kein separates Stück Leben. Es hängt mit meinen utopischen Sorgen zusammen, mit meinen Freuden, meinen Leiden, mit dem, was die Welt um mich herum und in mir, hier oder sehr weit weg, mir anbieten oder mich mit Reflexionen, Freuden oder Schlägen angreifen kann... und ich kann das eine nicht vom anderen trennen, noch kann ich Vergnügen von Schmerz, Anziehung und Abstoßung, Bindung, Tränen, Tod, Leben trennen. Sie berührt das Leben selbst, den Sinn, den es annimmt oder dem es gegeben wird.

Ich habe den Eindruck, dass unsere Welt die unglückliche Tendenz hat, alles wursteln, klassifizieren, indizieren, etikettieren, standardisieren und in wasserdichten, gut voneinander getrennten Kisten aufbewahren zu wollen. Ich teile diese Sicht der Dinge nicht, die mir zu kartesianisch erscheint und sehr wenig Raum für die Phantasie, den Menschen und seine Individualität lässt. Im Gegenteil, ich denke, dass alle Dinge miteinander verbunden sind und sich mehr ergänzen als gegeneinander stehen: Nacht und Tag, Leben und Tod, Lust und Leid, Freude und Trauer, Liebe und Gleichgültigkeit. Das Kunstwerk trifft den Blick des Betrachters, der seinerseits den vom Maler auf der Leinwand angelegten Mäandern folgt und dabei seine Emotionen und seine Fragen wiederentdeckt. Er sieht auch seine eigenen Fragen, Zweifel, Freuden, Hoffnungen, Träume, Sorgen, Ideale, Ängste und Befürchtungen.

 

Das Kunstwerk steht auch in der Beziehung, die es zur Welt hat: Der Künstler bezieht Stellung, sein Werk, seine Gedanken hinterfragen die Existenz, Mensch und Gesellschaft, seine Zukunft.

Könnte es sein, dass der Künstler die Pflicht hat, zu alarmieren, mit den Fingern zu zeigen, zu denunzieren, das Gewissen zu schütteln, die Menschheit in Frage zu stellen? Könnte das Kunstwerk ohne Bezug zur Welt existieren?

 

Wenn ich male, arbeitet mein Verstand an mehreren Dingen gleichzeitig; er leitet meine Hand, meine Farbwahl und die chromatischen Beziehungen, fokussiert meinen Blick auf die Pinselspitze, schaut auf die Leinwand, die gerade in Arbeit ist, überlagert die Visionen, die ich im Kopf habe. Aber dieses Bild, das zu Beginn des Gemäldes entsteht, ist nicht fixiert, es verändert, bewegt sich, im Zusammenspiel mit dem, was auf der Leinwand, dem Papier, geschieht. Gleichzeitig läuft mein Gedanke allein von einem Punkt zum anderen, von einer Idee zur anderen, vermischt Beobachtung, Empfindung, Wissen, Emotion, Erfahrung... Die Ideen folgen einander mit einer gnadenlosen Logik; ich erinnere mich an den Ausgangspunkt, die Schlussfolgerung drängt sich auf, und der Weg zwischen den beiden ist präzise. Dort scheint mir die Zeit in einem schwindelerregenden Tempo zu vergehen, ich male, während der CD-Player ein Musikstück abspielt. Wenn die Musik aufhört, habe ich oft den Eindruck, dass nur ein paar Minuten vergangen sind. Es ist ein intensives Vergnügen, ein Gefühl des Wohlbefindens; still vor meinem Papier, meiner Leinwand, koste ich aus, was diese flüchtigen Momente mir hinterlassen, dieses Gefühl der Freiheit.

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